2023

21 DE JULHO

"NÃO CHEGAMOS EM UM TAPETE MÁGICO. ELE FICOU UM POUCO DESOLADO COM ISSO... SEUS SEGUIDORES SE REUNIRAM DO LADO DE FORA E ESTAVAM PRESTES A NOS APEDREJAR": OS FÃS MAIS ESTRANHOS DOS MOODY BLUES

By Rob Hughes (Prog) - https://www.loudersound.com/

Durante os primeiros dias do prog, a turnê deles pelos Estados Unidos em 1968 os viu sendo tratados como messias, alienígenas e arautos do apocalipse - e os deixou aterrorizados.

O terceiro álbum da The Moody Blues, IN SEARCH OF THE LOST CHORD, lançado em 1968, foi um momento crucial no desenvolvimento do prog. Em 2014, os membros relembraram como o álbum foi criado e como os colocou no centro da cena freak americana - com resultados aterrorizantes.

Ninguém sabe quem ele é ou de onde ele vem, mas uma coisa é certa: ele está em uma missão. Para os Moody Blues, em turnê pelos EUA em apoio ao terceiro álbum, IN SEARCH OF THE LOST CHORD, em 1968, o homem nos bastidores de um de seus shows é uma visão alarmante.

“Esse cara aparece, corpulento como um touro”, lembra o flautista/compositor da banda, Ray Thomas. “Ele se ajoelha na minha frente. Tínhamos acabado de fazer um show, então eu estava com um Scotch e Coca-Cola em uma mão e um cigarro na outra. Ele diz: ‘Quero que você faça a imposição de mãos’. Alguém havia dito a ele que, depois que um de nós fizesse isso, ele iria para o Nirvana e Krishna assumiria o corpo dele. Foi por isso que ele se preparou da maneira como fez. Deve ter levado anos para chegar a essa forma. Esse cara claramente estava louco há muito tempo.”

Em 68, isso não foi um incidente isolado para os Moody Blues. Foi um ano crucial para a banda nascida em Birmingham e baseada em Londres. O sucesso inesperado de seu segundo álbum, DAYS OF FUTURE PASSED, de 1967, uma orgia sinfônica de rock clássico e nova música 'progressiva', havia dissipado a percepção deles como um grupo de segunda categoria no cenário do beat.

Mas foi o álbum seguinte, IN SEARCH OF THE LOST CHORD, que reinventou os Moodies como descolados de espírito livre, cuja ambição ambiciosa combinava com os tempos de espírito livre da era psicodélica. Lançado no auge do verão, o álbum era uma hélice de ideias espirituais e filosóficas que pareciam oferecer iluminação e novas formas de vida. Havia canções místicas sobre a exploração, o plano astral, a consciência superior, o próprio guru de estimação do hippie, Timothy Leary, e até um retumbante mantra hindu com harmonias vocais em quatro partes e eco cruzado. A música costumava ser preparada para combinar: instrumentos de sopro, guitarras invertidas, tablas, cravos. E é claro que havia cítaras, o significado padrão para qualquer buscador “sério” em meio aos sinos e contas da contracultura dos ANOS 60. Acima de tudo, os tons ricos e alegres do álbum refrataram o idealismo da época através de um prisma psicodélico elegante. Foi um recorde que sugeriu que a nova geração poderia realmente vencer.

“Estávamos muito otimistas”, afirma Thomas. “Estávamos tentando pregar paz, amor e algo fora da vista. E sexo, drogas e rock'n'roll. Era o pacote completo.”

Os Moody Blues fizeram grande sucesso com Go Now, um cover de Larry Banks que liderou a parada de singles do Reino Unido em JANEIRO DE 1965. Mas eles não conseguiram aproveitar o momento: houve um álbum fracassado de músicas de R&B, uma série de mudanças de pessoal e um fluxo constante de 45s que não causou nenhuma impressão. A gravadora deles, a Decca, estava ficando cada vez mais desesperada. No momento em que formaram a banda com o produtor Tony Clarke, aparentemente para gravar música como ferramenta de vendas para o novo Deramic Stereo Sound da gravadora, as dívidas estavam se acumulando. DAYS OF FUTURE PASSED, um álbum conceitual do amanhecer à noite feito em conjunto com a Orquestra do Festival de Londres, foi recebido com horror mal reprimido pelos executivos da empresa que o financiaram. Somente quando isso lhes rendeu um hit no Top 30 em ambos os lados do Atlântico (nos EUA, na verdade alcançou o número 3) eles estavam preparados para dar outra chance à banda.

Os Moodies decidiram que o seu seguimento refletiria o seu fascínio pela cultura que os rodeava. Os Beatles os convidaram como apoio em sua última turnê pela Inglaterra no FINAL DE 1965, após a qual o Fab Four se uniu ao tecladista de Thomas e Moodies, Mike Pinder. Durante os anos seguintes, todos eles puderam ser encontrados na casa uns dos outros ou em bares de estrelas do rock, como o Bag O'Nails, no Soho. “Ray e eu estávamos sempre participando das sessões de Abbey Road”, lembra Pinder. “E nós dois tocamos algumas faixas dos Beatles – órgãos bucais e harmonias de apoio em I Am The Walrus e Fool On The Hill.”

Pinder também apresentou aos Beatles seu novo brinquedo favorito: o Mellotron – uma verdadeira mini-orquestra nas mãos certas. Ele descreveu-lhes as possibilidades que oferecia aos músicos com mentes curiosas.

“No dia seguinte, John, Paul, Ringo e George pediram um cada”, diz ele. "Foi muito legal. Fiquei impressionado com eles, especialmente quando ouvi Strawberry Fields Forever. Essa foi a minha recompensa.”

Foi uma relação recíproca. “O que quer que os Beatles fizessem, as pessoas os seguiam”, diz o vocalista/guitarrista do Moodies, Justin Hayward (que substituiu o vocalista original Denny Laine no FINAL DE 66). “No INÍCIO DE 67, começamos a ler aqueles livros sobre Meditação Transcendental. Os Beatles eram os líderes daquele clube específico em Londres que todos nós íamos. Porém, não pegamos o Maharishi, pegamos o garçom indiano do outro lado da rua. Mas estávamos realmente olhando para essa coisa de expansão da mente, e então a MT transformou isso em uma religião. Era um estilo de vida adequado – melhor do que ficar por aí e ficar chapado o tempo todo.”

Depois houve o ácido. Embora a percepção popular do Moody Blues fosse de sérios dândis ingleses, na realidade, as viagens de LSD eram comuns na banda (com exceção do baixista John Lodge, que se absteve de tais experimentos de expansão mental). Hayward insiste que foi um namoro relativamente curto, de cerca de 18 meses.

“Nós quatro fizemos isso com muito cuidado e cuidamos bem de nós mesmos”, diz ele. “Exceto quando deixamos Ray sozinho no apartamento. Ele estava assistindo televisão. E quando voltamos, Crossroads estava passando. Ele estava dizendo: ‘Cara, isso é demais!’

“Hash era a droga, na verdade. Não faz sentido dizer que não funcionou, porque aconteceu. Mas todos nós tínhamos respeito pelas drogas porque podíamos ver o que elas faziam com algumas pessoas. Nenhum de nós jamais foi controlado pelas drogas, enquanto as pessoas que estavam foram deixadas de lado e morreram.”

As atividades lisérgicas dos Moodies pareciam alimentar diretamente uma das músicas gravadas durante as sessões de DAYS OF FUTURE PASSED. Legend Of A Mind, escrito por Ray Thomas, era um hino de seis minutos para Timothy Leary, o professor de Harvard que ligou, sintonizou e lançou uma bomba na recatada América dos ANOS 60 ao defender o LSD como um portal para uma consciência superior. Foi uma música que postulou Thomas como o Capitão Trips do Moody Blues. Seu pop com lente olho de peixe foi o mais próximo que a banda chegou da música de câmara psicodélica, com Thomas mapeando um diário de viagem interior alucinante: 'Ele voará em seu plano astral / Faz viagens pela baía / Traz você de volta no mesmo dia. '

Muito exagerado para DAYS OF FUTURE PASSED, Legend Of A Mind gerou a ideia de IN SEARCH OF THE LOST CHORD. Thomas ainda não conhecia Leary, mas já havia lido bastante sobre ele. Desde então, alguns consideraram a música como um excelente exemplo da seriedade excessiva dos Moodies quando se tratava de explorar o zeitgeist, mas hoje Thomas insiste que foi basicamente “uma brincadeira”.

“Eu via o plano astral como um pequeno biplano com pintura psicodélica no qual você pagaria para fazer uma viagem pela Baía De São Francisco. Todo mundo naquela época estava começando a ler O Livro Tibetano Dos Mortos, então incluí uma referência a isso também.”

Hayward concorda que a música era uma homenagem divertida ao sumo sacerdote dos tempos antigos. “Sempre pudemos ver o lado engraçado de tudo isso, O Livro Tibetano Dos Mortos e o resto. Havia um humor perverso dentro da banda que não permitia que você levasse muito a sério.”

Realizado no Studio One da Decca com o produtor Tony Clarke e o engenheiro Derek Varnals, IN SEARCH OF THE LOST CHORD foi o produto de uma configuração altamente inventiva.

“Tony realmente entendia os Moodies”, diz Thomas. “Estávamos conversando com Tony 24 horas por dia, não apenas sobre música, mas também sobre filosofia e astronomia. Ele tinha um telescópio enorme no telhado de sua casa e íamos até lá, olhávamos a lua e as estrelas e conversávamos sobre tudo. Ele sabia que as letras das nossas músicas sempre tinham outras conotações e era muito bom em ver o quadro mais amplo.”

Ao mesmo tempo, a experiência de Varnals na montagem de um estúdio para uma grande orquestra, adquirida durante o tempo que trabalhou com Mantovani, abriu caminho para novas experiências sonoras. “Portanto, tínhamos uma equipe de primeira linha que tentava quebrar barreiras, assim como nós”, diz Lodge.

Ao contrário da maioria de seus colegas, todos os Moodies estavam envolvidos no processo criativo da banda, com os membros reunidos em torno do que Pinder lembra como “uma mesinha de centro suja com um tampo redondo e carpete. Nós nos alegramos com isso, realmente”, diz ele. “Se você não fosse necessário no estúdio, você ficaria em seu cubículo, escrevendo novas músicas e encontrando inspiração. Foi um gotejamento constante de ideias.”

Pinder foi talvez o principal arquiteto do som dos Moodies. IN SEARCH OF THE LOST CHORD o viu expandir os experimentos de Mellotron que ele havia começado em DAYS OF FUTURE PASSED. Aliado à chegada da tecnologia de oito faixas (os Moodies foram os primeiros na Decca a usá-la), o álbum floresceu em um tour de force sonoro. Enquanto crescia, Pinder mergulhou na vastidão da orquestra leve do maestro Mantovani. O amor deste último pela melodia e pelo uso suntuoso das cordas foi algo que Pinder tentou aproximar no Mellotron.

“Mike passou muito tempo criando aquele lindo som Mellotron que só ele conseguia”, diz Hayward. “Todo mundo parecia uma merda, na verdade.”

O fascínio dos Moodies pelas possibilidades sonoras também os levou a um território estranho. Durante as sessões de IN SEARCH OF THE LOST CHORD, eles tiveram uma revelação.

"Estávamos brincando muito com sons", lembra Thomas, "e descobrimos que se você levasse um Si bemol para tão baixo que mal dava para ouvir e o virasse ao contrário, a pulsação faria com que você perdesse o controle dos intestinos. Então pensamos, não seria ótimo se colocássemos isso no final de IN SEARCH OF THE LOST CHORD? Ninguém poderia ouvir, e todo mundo se cagou!! Mas os poderes da Decca disseram que não podíamos fazer isso, era altamente perigoso. Depois, enquanto estávamos brincando no estúdio, Tony atravessou a sala e, de repente, isso o derrubou como uma pedra; acertou-o no pescoço! Logo após esse tempo, as pessoas começaram a experimentar com 'bombas sonoras', mas nós estávamos fazendo isso meses antes."

Uma das músicas principais de In Search Of The Lost Chord foi elaborada por Pinder enquanto compartilhava escavações com Thomas em Esher. Om era uma meditação coletiva impregnada de esoterismo indiano, onde as nuvens rolam, os telhados batem com a chuva e as borboletas correm para o céu. Tal como aconteceu com os Beatles, os Stones, os Mamas & The Papas e outros, os Moodies aderiram ao exotismo da música oriental. Hayward e Pinder iam trotando para um lugar em Charing Cross Road e voltavam com tablas, tamburas e cítaras. Todos esses instrumentos aparecem com destaque em Om, enquanto suas letras sugerem a descoberta de alguma dimensão mística oculta: "Lá longe, um som distante está conosco todos os dias / Você consegue ouvir o que ele diz?" Qualquer que seja a sua opinião sobre o rock e rock do FINAL DOS ANOS 60 com seus trajes hippies, é uma peça musical arrebatadora e um mantra para quem busca. Quando foi gravado no INÍCIO DE 1968, o espírito perfumado do Summer Of Love ainda pairava na brisa. A Primavera De Praga ainda não tinha sido esmagada, a contracultura tinha-se mobilizado num poderoso símbolo de protesto anti-Vietname e as pessoas abriam caminho para o caminho hippie. O sonho estava acontecendo.

“Estávamos em turnê pela Europa e percebemos que grandes mudanças estavam acontecendo”, explica Lodge. “Os jovens estavam a sair do INÍCIO DOS ANOS 60, o que não era muito bom para eles, e a Cortina De Ferro estava a começar a desaparecer, por isso em todo o lado havia optimismo. E a mensagem de IN SEARCH OF THE LOST CHORD era realmente esta: se você pudesse encontrar o acorde perdido, ele poderia ser a resposta para a vida.”

House Of Four Doors, a minissuíte de Lodge, serviu como metáfora para essa grande busca espiritual. Uma mistura de classicismo barroco e devaneio aos Beatles, apresenta uma dança delicada entre cravo e violoncelo. “Eu queria escrever uma música que mostrasse como você poderia viver sua vida”, lembra Lodge. “À medida que você avança, há portas que você pode abrir ou ignorar. A minha filosofia sempre foi abrir a porta e ver o que tem dentro – pode ser algo fabuloso. Ainda tento usar essa abordagem para tudo que faço na vida.”

Ainda hoje, IN SEARCH OF THE LOST CHORD parece infinitamente ambicioso. Junto com suas músicas mais psicodélicas, havia o pop espumoso da Costa Oeste de Ride My See-Saw, de Lodge, a rodovia interestelar de The Best Way To Travel, de Pinder – que mostra seu protagonista acelerando pelo universo em raios de luz – e um par de de canções de Hayward imbuídas de melancolia bucólica: Voices In The Sky e Visions Of Paradise. Esta última foi uma extensão da balada brilhante que ele já havia mostrado em Nights In White Satin – o hit de DAYS OF FUTURE PASSED – embora desta vez Hayward compartilhasse o crédito de escrita com Thomas.

“Eu costumava sentar no armário de vassouras da Decca, escrevendo letras enquanto Justin trabalhava na guitarra”, diz Thomas. “Então ele entrava no armário de vassouras, fumávamos um ‘j’ e simplesmente resolvíamos.” Foi um relacionamento que os sustentou pelas duas décadas seguintes, até o álbum KEYS OF THE KINGDOM, de 1991.

Em seu lançamento em JULHO DE 1968, IN SEARCH OF THE LOST CHORD alcançou o top cinco do Reino Unido. Ao lado de BOOKENDS de Simon & Garfunkel, JOHN WESLEY HARDING de Dylan e WHEELS OF FIRE de Cream – todos oferecendo uma visão mais ambígua do mundo à medida que os ANOS 60 avançavam – o álbum dos Moodies era quase uniformemente otimista. Ele também se saiu bem nos EUA, causando uma queda considerável no top 30 da Billboard.

Em OUTUBRO DE 1968, os Moodies iniciaram sua primeira turnê pela América. A primeira visita deles lá, em DEZEMBRO DE 1965, foi mais uma viagem promocional - houve aparições no The Ed Sullivan Show, no programa de rádio de Natal de Murray The K e no Hullabaloo da NBC. A turnê do FINAL DE 68 foi totalmente diferente – e muito mais assustadora.

Compartilhando contas com John Mayall, Chicago Transit Authority e o maravilhosamente chamado Frumious Bandersnatch, eles eram regularmente confrontados por pessoas que viam THE LOST CHORD como um portal dourado para alguma utopia futura, e a própria banda como os líderes que poderiam levá-los até lá. Todos os malucos, buscadores prejudicados em busca de verdades ocultas, reais ou imaginárias, ligam para a câmera.

“Naquela primeira turnê pelos EUA realmente houve pessoas que pensaram que tínhamos o segredo do universo”, diz Hayward. “No que nos diz respeito, estávamos apenas conversando com aquela geração de pessoas que víamos, mas havia algumas pessoas muito estranhas vindo aos shows e jogando muitas coisas em nós.”

Algumas semanas antes, os Moodies haviam feito shows no Braintree Youth Center e no The Seagull em Ryde. Agora eles estavam empacotando-os no Fillmore West e no The Shrine.

Além de lidar com fãs desesperados pela imposição de mãos – “Isso costumava nos preocupar”, diz Thomas, “porque o que eles perguntavam era uma blasfêmia” – havia coisas mais bizarras esperando. As profecias que supostamente foram incorporadas à estrutura de THE LOST CHORD foram aproveitadas por alguns dos elementos mais extremos de sua base de fãs.

“Enquanto estávamos em turnê, havia um cara em San Antonio, Texas, que apareceu na imprensa andando na calçada dizendo: 'Cinquenta e seis dias até a chegada dos messias – os Moody Blues!'” diz Hayward, ainda incrédulo. “Ele estava contando os dias até chegarmos. Ele e seus seguidores seriam todos levados para a nave espacial quando os Moodies chegassem. Essa era a coisa toda dele. É claro que quando chegamos à cidade nada aconteceu. Então, no dia seguinte, esse cara disse: ‘Seus bastardos! Seus malditos charlatões!’ Mas não tínhamos feito nada!”

Thomas se lembra do homem maluco, todo de pele de mogno e colete de pele de coelho, batendo na porta e entrando em seu quarto de hotel quando a banda fez check-in pela primeira vez: “Ele era como o homem selvagem de Bornéu”. A banda fez com que a segurança o removesse imediatamente.

“Nós o destruímos imediatamente quando chegamos lá porque não chegamos em um tapete mágico”, lembra Edge. “Ele ficou um pouco com o coração partido por causa disso. Então, quando estávamos saindo do hotel, havia cerca de 30 seguidores dele reunidos do lado de fora e estavam perto de nos apedrejar. Foi muito assustador."

Para Lodge, o “efeito Moodies” foi tornado mais explícito noutra ocasião. Ele se lembra de ter chegado a uma cidade dos EUA e encontrar uma festa de boas-vindas indesejada. “Como não estávamos tocando em outro lugar a 240 quilômetros de distância, eles decidiram que o mundo estava chegando ao fim”, diz ele. “Quando olhamos pela janela do hotel, havia centenas de pessoas com cartazes dizendo que o mundo iria acabar se não tocássemos em sua cidade. Foi uma cena bastante assustadora para pessoas como nós, de vinte e poucos anos. Não existiam esses extremos na Inglaterra.”

Não foram apenas os fãs que acharam os Moodies estranhamente exóticos. Outros músicos estariam nos bastidores, avaliando esses novos visitantes. “O primeiro show que fizemos para o [promotor] Bill Graham foi no Fillmore East, em Nova York”, lembra Hayward, “e David Crosby veio nos ver. Estávamos naquele pequeno camarim e ele me disse: ‘Onde você consegue suas roupas? Você pode me colocar em contato com alguém?’ Essa era a coisa mais importante para ele. Éramos verdadeiros dândis ingleses para pessoas assim.

Houve uma recepção um pouco menos acolhedora quando a banda chegou em casa, no Reino Unido. Lodge voltou para sua casa em Cobham e encontrou estranhos acampados em seu gramado. Eles tinham ido a um show dos Moodies nos Estados Unidos, um deles lhe contou, e estavam convencidos de que ele iria pilotar a espaçonave que os levaria ao céu, e até então esperariam.

Mas nada se comparava à experiência de Ray Thomas: “Uma mulher de St. Louis invadiu minha casa e viveu no meu jardim por cerca de três semanas, coberta de merda e louca como uma caixa de sapos ensanguentados. Ela entrou e ficou deitada com o sinal da cruz no rosto, em lágrimas, como uma freira. Ela esperava que eu fosse trepar com ela e disse que a prole seria a Segunda Vinda. No final, tivemos que deportá-la. Depois ela me escrevia muitas cartas, dizendo coisas como: ‘Os ovos de Páscoa estão no fundo do mar! Os ovos de Páscoa estão no fundo do mar!’ Recebi uma ameaça de morte dela – ela até me disse que tipo de bala iria usar. Ela iria atirar em mim, então eu me ressuscitaria, só para que ela pudesse provar quem diabos eu era. Isso realmente me assustou pra caralho.

Isso não deteve a banda, e no ano seguinte eles estavam de volta aos EUA. Um Love-In com Jefferson Airplane no Elysian Park de Los Angeles em NOVEMBRO DE 1969 finalmente os colocou cara a cara com o tema Legend Of A Mind, quando Timothy Leary apareceu com um trem de seguidores. Quando a banda iniciou a introdução da música, Leary subiu no palco e começou a tocar um pandeiro com abandono. Depois houve abraços por toda parte. Foi o início de uma amizade que durou até a morte de Leary em 1996.

“Ele adorou a música e sabia que eu estava sendo travesso com ela”, diz Thomas. “A primeira vez que conheci Tim, ele convidou Justin e Mike para ir à sua comunidade nos arredores de São Francisco. Seus seguidores nos levaram para dentro desta maloca para nos alimentar. Mas era tudo vegetariano e éramos grandes carnívoros. Mais tarde, eles nos levaram para a cabana de Tim. Quando ele perguntou se eles tinham nos alimentado, ele disse: ‘Sim, é uma porcaria, não é?’ E ele pegou um bife incrível e colocou-o na churrasqueira.

Três anos antes de morrer, Leary visitou os bastidores da banda depois de um show no Greek Theatre em Los Angeles. Thomas relembra: “Ele me chamou de lado e disse: ‘Vou lhe contar uma coisa agora. E se você contar a mais alguém, vou negar. Mas aquela sua maldita música me tornou mais famoso do que eu!’”

No Reino Unido e na Europa, o fandom de Moodies era muito mais comedido. Em seu país de origem, eles eram vistos menos como salvadores hippies e mais como arautos de uma nova linhagem de rock orquestral, que acabaria por florescer no progressivo. Como The Nice ou Pink Floyd, eles pareciam estar se afastando deliberadamente de qualquer noção aceita sobre o que constituía uma banda de rock britânica.

IN SEARCH OF THE LOST CHORD vendeu bem, mas está longe de ser seu trabalho de maior sucesso comercial. Uma série subsequente de álbuns teve melhor desempenho em ambos os lados do Atlântico e, em 1972, os Moodies estabeleceram-se como os principais exportadores britânicos de pomp’n’roll sinfónico. Mas suas músicas mudaram com o tempo, e eles passaram a escrever canções políticas sobre o Vietnã, a revolução e a divisão racial, enquanto o single de 1973, I'm Just A Singer (In A Rock And Roll Band), rejeitou seu status de gurus involuntários por facções da geração Flower Power.

THE LOST CHORD, no entanto, mantém um lugar único no cânone do Moody Blues. Não só é abençoado com algumas de suas músicas mais inspiradas, a complexidade de sua visão de encontrar uma tela perfeita com o advento da nova tecnologia de estúdio, mas também é uma das últimas grandes missivas de uma época em que tudo ainda parecia infinitamente possível. Em última análise, é um hino vertiginoso à própria pureza, feito pouco antes dos ANOS 60 chegarem para sempre.

“Há uma ingenuidade nisso que ainda é atraente”, diz Hayward. “E há uma inocência nisso. Na verdade, são apenas cinco caras e um produtor fazendo exatamente o que querem. Que sorte poder fazer isso.”

Graeme Edge concorda. “De repente, todas as coisas que você desejava estavam lá. Você tinha seu próprio estúdio, podia fazer sua própria música, as pessoas vinham ver você tocar. Todos os seus sonhos estavam ali na sua mão. O mundo realmente era nosso por uma música.”